71,苍井优蛮可爱的主要对我来说爱情和生死的主题都没什么意思,很烦没了谁会死的叙事,生死的问题,我觉得人怕死某种层面上是一种自大,保护环境,为了子孙后代,世界局势里争论的一切都是如此,你我算个什么东西,人类算什么,下一秒整个地球消失又能如何,我们自以为的文化,生而为人的价值算得了什么,整个地球消亡,宇宙毫无损失且毫无察觉。
[img=1:C]当代亚洲电影三杰:贾樟柯、河濑直美和阿彼察邦[/img]
我们总是期待可以带我们做梦的电影,而对那些写实的作品越来越无法感到满足。我们也总是期望看到一些可以颠覆好莱坞电影与欧洲电影的新影像,从中感触到电影体验新的可能性。且让我们将视线移回身边,注目于亚洲这块电影世界不可或缺的版图。亚洲电影之所以重要,是因为它们提供了与西方电影迥然不同的视觉体验。尤其自上个世纪九十年代以来,各个国家(当然,要除却日本)依循自身文化发展出自己的民族影像,这些丰富多彩的新影像让世界影坛瞩目到亚洲电影的活力,并从中获得启发。
在影像间自如地穿越生死,让电影的维度扩展到前世与来生,似乎只有在亚洲这块神秘的土壤才能孕育。由此看去,河濑直美与阿彼察邦的电影给我们带来最大的启示。河濑直美电影中的“向死而生”恰与阿彼察邦电影里的“由死观生”形成鲜明的对照。如果说前者通过使用摄影机微晃模拟夭折孩子(流露出无知与新奇)或耄耋老者(看透生死)的视角,那么后者则用固定镜头来模拟超脱者由死向生的观望,为的是剔除现实的芜杂
为什么电影手册将《岸边之旅》选入年度十佳?并对戛纳将其流放到一种关注单元里而感到不满?
而又为什么在上海国际电影节放映时一片差评,甚至被骂?
这其间的差距实在太大,口碑完全呈现两极化。
当然你可以说,黑泽清迎合了手册知识分子们的趣味。也可以愤然中途退场,不用委屈自己去欣赏所谓的高逼格电影。
完全可以理解。因为黑泽清电影向来“难看”。看看6.1的低分,就知道它是有多么的不受待见。
但为什么黑泽清电影这么“难看”?
因为黑泽清从来不是一个“讲好”故事的导演。他所有的电影里的因果关系都是断裂的。他的叙事充满跳跃性,让人很难跟上。因为既然影像能说明的,为什么一定要用语言说出来?(这也是黑泽电影主角大多沉默寡言无表情的原因,你无法预读情节发展)他所要表达的,都藏在那些光影里,体现在场面的调度之上。
比起故事本身,黑泽清远相信影像的力量。
就拿本片的开场来说。
摄影机首先用全景拍摄背对着我们,在做白玉丸子的深津绘里(图1)。一个人,一盏日光灯,安静得能听到勺子碰撞瓷器的声音
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电影是导演的,也是故事的。
电影是有节奏的,故事也是有节奏,电影只要掌握了好的节奏大多都能卖座,故事掌握了好的节奏,则可以被叫做文学。《岸边之旅》改编于小说,电影的节奏则被文学带走了,所以就会有人BB这电影这不好那不好的。但《岸边之旅》会迎合那些喜欢小说的观众,比如我。我喜欢这样的节奏,有点像曾经看的《东尼泷谷》的感觉。一种淡淡的孤独,不过这部《岸边之旅》带着一点点的温暖。
看海报,去官网看,大大的图片占据电脑。深津绘里靠在浅野忠信的肩膀上,黄色的风衣很亮,给人活的气息。电影中每次优介穿上这件风衣的时候总是会给人以活着的气息,毕竟,优介已经是死了的人。整部电影中最有符号气息的大约就是这件风衣了。
不知道小说中的主要场所写了几处,电影中的三个地点基本以持平的比重瓜分了电影除去开头和结尾后的剩下时长。其中无论哪一处都没有太大的意义,就像是平常人的平常生活那般,没有太大的意义。每一处,见到的是活人也好碰见的是死人也罢,并不从中洞见什么,也不从中了解到生与死的意义
黑泽清是个喜欢探求生死话题的导演,但是他不是个老老实实讲故事的人。所以每每,他的作品并不能被大众普遍接纳。
然而鬼才的不走寻常路,也铸就了他自己的风格,懂的人自然会懂。
看完这样一部题材的电影之后,第一要感叹的是,原来还可以这样讲一个鬼魂的故事。
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影片中一开始,就是女主角瑞树的侧影,开篇的镜头里从头到尾看不到她的脸。就像是一个巨大的空洞,深不见底的黑暗色调。
她是一个教孩子弹钢琴的家教,但是家长对这位老师的评价却是,那么欢快的琴声,不像是从你的手中弹出来的
【岸边之旅】死亡?生命?时间?不,这是爱。
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